Будь-яка людина може легко помітити, що тема горя вельми популярна до художників. І найчастіше сучасні люди навіть не здогадуються про історію походження деяких картин або скульптур та їх істинному сенсі.
«Портрет Венеції Стенлі, леді Дігбі» Ван Дейк
Створюється враження, ніби молода жінка безтурботно спить. Тим не менш, коли фламандський художник Антоніс ван Дейк в 1633 році намагався передати на полотні всю аристократичну красу Венеції Стенлі, леді Дігбі, насправді він писав портрет… дводенного трупа, який лежить на смертному одрі.
Збожеволівши від горя, виявивши, що його дружина раптово померла вночі, у віці 33 років, чоловік Венеції, сер Кенелм Дігбі, попросив Ван Дейка, придворного художника короля Карла I, намалювати усопшую дружину до прибуття хірургів і коронера».
Антоніс ван Дейк написав «Венецію, леді Дігбі на її смертному одрі» в 1633 році – через два дні після смерті жінки уві сні
Ван Дейк приступив до роботи, ігноруючи жахливі зміни, які відбуваються з тілом людини після смерті. На блідій, чарівною шию Венеції він намалював перлове намисто, а на краю простирадла розсипав пелюстки троянд. Дігбі вважав, що картина Ван Дейка, знаходиться сьогодні в лондонській Далиджской картинної галереї, стала вінцем творіння художника. За його словами, ця «троянда» здавалася «в’яне» навіть з першого погляду і повинна була символізувати смерть його дружини.
Незважаючи на те, що пройшло майже 4 сотні років, до цих пір ходять чутки, що Дігбі, який був не тільки придворним і дипломатом, але також винахідником і алхіміком, сам став причиною смерті своєї дружини. Деякі кажуть, що він давав Венеції пити суміш з крові гадюки, з допомогою якої сподівався зберегти її красу. Інші вважають, що він убив її в припадку ревнощів – в кінці кінців, він нібито одного разу сказав з приводу горезвісної розбещеності Венеції, що «мудрий і сильний чоловік може зробити чесну жінку навіть з працівниці борделю». Що цікаво, хоча проводився розтин, його результати не збереглися.
Однак, Дігбі виявився спустошений смертю Венеції. Він написав своєму братові, що посмертний портрет роботи Ван Дейка – «це єдиний постійний компаньйон, який є у мене зараз. Він стоїть весь день навпроти мого крісла і столи … і всю ніч біля ліжка. Коли слабкий місячне світло падає на нього, мені здається, що я дійсно бачу її мертвою».
Іншими словами, якщо вірити листу Дігбі, маленький портрет маслом Ван Дейка, розміром менше одного квадратного метра, став розрадою і разрадой вбитому горем вдівцю. Якщо троянда на картині дійсно є «емблемою» швидкоплинності життя, сама картина символізує те, що можна назвати мистецтвом печалі.
Крім поховальних пам’яток у церквах, які встановлювали в основному в знак пам’яті про померлого, тематика горя в західному мистецтві до епохи Ван Дейка, в середні віки і в епоху Відродження, як правило, зустрічалася тільки в релігійному живопису і скульптури, присвячених трагічній історії смерті Христа.
П’єта Мікеланджело в базиліці Святого Петра
Приголомшлива мармурова п’єта Мікеланджело в базиліці Святого Петра – єдина робота скульптура, яку він коли-небудь підписав. Вона зображує скорбну Діву Марію з мертвим Христом, що лежить у неї на колінах. Це, мабуть, найвідоміший приклад, але є й безліч інших. Наприклад, можна виділити картину ще одного художника епохи Високого Відродження і одного Мікеланджело, Себастьяно дель Пьомбо. Як стверджують фахівці Національної галереї, картина (над якою дель Пьомбо працював разом з Мікеланджело) «Оплакування мертвого Христа» (приблизно 1512-1516) є «першим великомасштабним нічним пейзажем в історії», а її місячне небо чудово відповідає похмурому настрою.
П’єта Мікеланджело в базиліці Святого Петра – відома версія одного з найпоширеніших образів у католицизмі: скорботи Діви Марії про смерть свого сина
Звичайно, традиційна тема оплакування Христа була зображена багатьма відомими авторами в історії мистецтва, від Джотто і Мантеньї до Рубенса і Рембрандта. Це лише деякі з тисяч художників, які впродовж століть зображали цю біблійну сцену, в тій чи іншій формі. Дійсно, мистецтво скорботи стало настільки поширене повсюдно, що іноді люди забувають, на що саме вони дивляться. Куратор нової виставки Родена в Британському музеї нещодавно опублікував статтю, в якій припустив, що знамениту скульптуру француза «Мислитель» насправді слід називати «Скорботний». «Подивіться уважно на руку і підборіддя, – сказав Йен Дженкінс, авторитетний фахівець у давньогрецькому мистецтві. – Якщо б цей чоловік замислився про щось, то він би охопив рукою підборіддя в жесті задумі. Але в цій скульптурі рука підтримує підборіддя. А в Стародавній Греції це було жестом жалоби».
«Острів мертвих» Арнольда Бекліна
Картина маслом на дереві Арнольда Бекліна «Острів мертвих», 1880 рік. Її сюжет заснований на давньогрецькій міфології. Картина надихнула однойменний фільм жахів Жака Турнера
Якщо ввести слово «горе» в онлайн-пошуковій системі будь-якого міжнародного музею, вона видасть безліч результатами. Наприклад, у Великобританії пошук за цим ключовим словом на веб-сайті галереї Тейт видав 143 твори мистецтва на тему горя і страждання, що датуються різними періодами.
Наприклад, в XVIII столітті художники стали розглядати горе і печаль крізь призму шекспірівської драми. Улюбленою темою стала смерть дочки короля Ліра Корделії. У XIX столітті приголомшливо деталізована картина Джона Еверетта Мілле «Офелія» (1851-52), для якої модель Елізабет Сиддал щодня по кілька годин позувала у ванні протягом чотирьох місяців, являє собою знаменитий і дуже поетичне візуальне вираження горя. На ній зображена датська дворянка з «Гамлета» Шекспіра, яка збожеволіла від горя за вбитого батька і втопилася в струмку.
«Мислитель» Родена
Іан Дженкінс з Британського музею вважає, що «Мислитель» Родена повинен називатися «Скорботний», оскільки фігура підперла підборіддя стиснутим кулаком – явна ознака того, що людина замкнутий і занурений у власне горе.
Горе було дуже важливою темою для художників у вікторіанську епоху, коли була популярною складна «культура жалоби». У своєму «Мистецтві смерті» (1991) історик мистецтва Найджел Луэллин зазначає, що «вражаюча візуальна культура смерті» була відмінною рисою XIX століття.
«Плачуча жінка» Пікассо
У XX столітті художники продовжили традицію своїх вікторіанських предків — виражати в своїх роботах горі. Можливо, самим хорошим прикладом є «Плачуча жінка» Пікассо (1937), яка пов’язана з його епічною картиною «Герніка» того ж року, написаної під час громадянської війни в Іспанії у відповідь на бомбардування німецькою авіацією баскського міста. «Герніку» багато хто вважають остаточним вираженням колективного горя XX століття. Звичайно, є багато прикладів і інших картин XX століття, тематика яких пов’язана з сумом. Приміром, можна згадати невелику картину Люсьєна Фрейда, написану ним у 1973 році, – портрет його матері, сум смертю свого чоловіка.
«Триптих» Френсіс Бекон
Френсіс Бекон намалював в лівій панелі «Триптиха» (серпень 1972 року) свого коханця Джорджа Дайєра, вчинив самогубство
«Триптих» Френсіса Бекона, який сьогодні також експонується в галереї Тейт, зумів торкнутися як особисте, так і суспільне горі. Один з так званих «чорних триптихів Бекона» був написаний після самогубства його коханця Джорджа Дайєра, зображення якого можна побачити на лівій панелі. Таким чином, триптих є незабутнім і дуже особистим свідченням страждань митця (який, до речі, зображений на правій панелі.
Природно, дві Світові війни у ХХ ст. не могли не вплинути на мистецтво. Мистецтвознавці стверджують, що війна справила сильний вплив на те, як художники зображували горі, порівняно з XIX століттям. На відміну від вікторіанського жалоби, де окремі сім’ї відчували індивідуальне горі, раптово постраждала майже кожна сім’я в Європі.
«Офелія» Міллі – одне з найвідоміших художніх зображень людини, що перебуває на межі смерті
Військові меморіали
Одним із наслідків цього стала офіційна спроба з боку урядів «створити відповідну візуальну культуру для жалоби». Класичні, алегоричні фігури, настільки улюблені вікторіанцями, вийшли з моди. Замість них з’явилися військові меморіали, які приділяли особливу увагу спільної національної жертві, а не втрат окремих людей.
Військовий меморіал Кенотаф біля лондонського Уайтхолла, розроблений Едвіном Лаченсом, є архетипическим прикладом цього нового підходу: В ньому замість фігур людей встановлений порожній гріб, який можна асоціювати з будь-яким солдатом. Скорботні сім’ї можуть використовувати його як універсальний символ.
Тарін Саймон зробила інсталяцію «Occupation of Loss», в якій взяли участь 21 «професійних плакальниць» з різних культур
Універсальність горя і понині є темою, до якої звертаються сучасні художники. Раніше в цьому році американська фотограф Тарін Саймон отримала захоплені відгуки за свою «живу» інсталяцію «Occupation of Loss», організовану в підземному залі на півночі Лондона. Для роботи, прем’єра якої відбулася в Нью-Йорку в 2016 році, Саймон запросила 21 «професійних плакальниць» з різних країн світу, включаючи Албанію, Азербайджан, Еквадор, Гану і Венесуелу. Глядачі могли послухати кожну з цих жінок.
Thanks!
Our editors are notified.