Вчені давно довели, що мистецтво благотворно впливає на здоров’я людини, зменшуючи рівень тривоги і стресу в його організмі. Особливо це стосується образотворчого мистецтво і споглядання прекрасного. Тому, щоб 2020 рік був виконаний сприятливим станом тіла і духу, варто відвідати Ермітаж і побачити найвідоміші експозиції музею.
«Апостоли Петро і Павло» пензля Ель Греко
Ель Греко – один з найбільш яскравих і оригінальних художників. Грек за походженням, він вивчав живопис в Італії в майстерні великого Тиціана. Від свого кумира він навчився масляній техніці, також був натхненний художніми прийомами італійського маньєризму. Ель Греко виділявся серед своїх колег оригінальністю драматично виразного стилю. У своїх портретах він приділяв велику увагу психологічній характеристиці. У цій картині з Ермітажу художник представляє два різних типи людей. Зліва – апостол Петро, тричі номінований існування Христа. Його особа передає смуток і невпевненість, у той час як його жести мають відтінок покаяння і молитви. Апостол Павло, який, як відомо, спочатку був ревним гонителем християн, на картині виявляє духовний запал затвердження істини. Жести рук, утворюють композиційний центр твору, висловлюють діалог, який об’єднує двох апостолів.
Сивочолий Петро, загорнутий в мантію золотого кольору, нахилив голову в сторону. В лівій руці він тримає свій символ – ключ до Царства Небесного. Павло міцно притискає ліву руку до відкритого того на столі, права рука піднімається в жесті роз’яснення при погляді прямо на глядача. Св. Петро і Св. Павло з’являються у творчості Ель Греко безліч разів, і вони зображені з дивовижною послідовністю. Петра художник завжди показує з сивим волоссям і бородою, і він часто носить жовте вбрання поверх синьої туніки. Павло завжди злегка лисіючий, з темним волоссям і бородою, в червоній мантії, надягнутої на синю або зелену одяг.
«Каяття Марія Магдалина» Тиціана
«Каяття Марія Магдалина» – це портрет святої Марії Магдалини Тиціана, що датується приблизно 1531 роком, з підписом ‘TITIANUS’ на посудині ліворуч. За сюжетом це жінка з розпусним минулим, яка, згідно з Євангелієм (Луки 7, 36-50), прийшла у дім Симона Фарисея, щоб просити Ісуса про прощення. Це фігура, наповнена жіночністю, зображувана Тіціаном з використанням густих, концентрованих мазків і теплих тонів. Палітра підкреслює неймовірні очі, просочені кришталевими сльозами. Дивовижно написані мідні світле волосся, які покривають фігуру. Тема кающейся Марії Магдалини, піднімає очі до неба, придбала велику популярність в Італії XVI століття серед аристократів, релігійних діячів і заможного середнього класу. Відсутність одягу символізує відмову Магдалини від коштовностей, золота і мирських захоплень заради віри в Христа. Крім того, золоті волосся і в цілому фігура Магдалини відповідають стандартам краси епохи Відродження.
«Мадонна Літта» Леонардо да Вінчі
Картина отримала свою назву від міланської дворянській сім’ї, в колекції якої вона перебувала протягом більшої частини XIX століття. У 1865 році російський цар Олександр II придбав полотно для Ермітажу, де воно виставлено по сей день. Ця робота зображує Мадонну, що годує грудьми Немовля Христа. Зверніть увагу на відсутність ореолів в цій картині. Ряд полотен Леонардо демонструють цю ж рису. Фігури розташовані в темному інтер’єрі з двома арочними отворами, показують вид гірського ландшафту. Цікава деталь: в центрі картини, в лівій руці Христа, знаходиться щиголь, який є символом страстей христових.
Почуття радості материнства на картині «Мадонна Літта» особливо чудово зображено завдяки багатству самого образу Марії – тут воно знайшло своє зріле вираз жіночої краси Леонардо. Ніжне, красиве обличчя Мадонни надає особливу духовність напівзакритим очам і легкій посмішці. Композиція картини вражає своєю разючою чіткістю і досконалістю. Мадонна з Немовлям була поширеним мотивом у християнському мистецтві в середні століття і продовжувала існувати в епоху Відродження.
«Лютняр» Караваджо
Картина була написана на замовлення кардинала Франческо дель Монте, який допомагав художнику. Караваджо зобразив молодого людини, захопленого музикою: його погляд сповнений натхнення, пальці чіпляються за струни. Фігура юнака у білій сорочці чітко виділяється на темному тлі. Різке бічне освітлення і падаючі тіні надають об’єктам практично відчутний обсяг і вага. Об’єкти, розміщені на картині, свідчать про велику любов художника до навколишнього світу, його прагнення правдиво відтворити природу, передати матеріальне якість кожної деталі. На записній книжці, яка лежить перед героєм з лютнею, написані початкові ноти популярного в XVI столітті мадригалу «Ти знаєш, що я люблю тебе».
Любов як тема цієї роботи також позначена іншими об’єктами. Наприклад, потріскана лютня була метафорою любові, яка зазнає невдачі. На зорі творчості Караваджо часто надавав молодим людям жіночі риси, що, втім, було характерно для італійського мистецтва кінця XVI століття. Цікаво, що музиканта з картини з Ермітажу часто приймали за дівчину, а композицію називали «Лютнистка».
«Дама в блакитному» Томас Гейнсборо
Одна з кращих робіт художника – «Дама в блакитному» – створена Гейнсборо у розквіті творчих сил. Постать молодої жінки у відкритому платті з прозорою білої тканини ніжно виділяється на темному тлі. Її пудрові волосся покладені в чудернацьку зачіску. Великі кучері опускаються на похилі плечі. Свіжість молодої особи підкреслена напіввідкритими губами і мигдалеподібними темними очима. Легким рухом правої руки вона притримує синій шовковий шарф. Сіруваті, блакитні, рожеві та білі тони тут і там посилені яскравими штрихами, і допомагають передати елегантність і красу моделі.
Сміливість мальовничих прийомів Гейнсборо вразила сучасників. Так, Рейнольдс зазначив «дивні плями і риси» на картинах Гейнсборо, «які здаються швидше результатом випадковості, ніж свідомим наміром». Саме ця неакадемическая традиція є одним з вищих досягнень Гейнсборо. «Дама в блакитному» надійшла в Ермітаж у 1916 році зборів А. 3. Хитрово за заповітом.
«Повернення блудного сина» Рембрандт Харменс ван Рейн
Цей шедевр біблійного мистецтва знову підтверджує статус Рембрандта як одного з кращих художників всіх часів і найвеличнішого з усіх старих майстрів в зображенні сцен Біблії. Картина «Повернення блудного сина», завершена художником в останні роки життя, змальовує сцену з притчі Євангелія від Луки 15: 11-32. За словами видатного мистецтвознавця Кеннета Кларка, полотно входить в число найбільших картин усіх часів. За сюжетом батько, подібно патріарху, покладає руки на плечі поголеного кається і одягненого в зношені одягу сина. Його очі майже закриті. Акт прощення стає благословенням майже сакраментального таїнства.
Ця картина з граничною одухотвореності, вільної від усіх анекдотичних аспектів, в якій всі рухи і дії зайшли в глухий кут. Сцена занурюється в темряву, схожу на тунель, з якого блідо сяють обличчя батька і старшого сина. Їх червоні мантії надають цій темряві світіння. Рембрандт неодноразово писав картини на теми про блудного сина, але у цієї монументальної олійною версії він прийшов до свого найбільш хвилюючому і – завдяки контрастированию старшого і молодшого (блудного) сина – психологічно найбільш складною формулюванні.
«Танець» Анрі Матісса
«Танець» – одна з найвідоміших робіт Анрі Матісса – ода життя, радості, фізичного відмови і символ сучасного мистецтва. Твір було замовлено впливовим російським колекціонером Сергієм Щукіним в 1909 році для прикраси його особняка. Характерна своєю простотою і енергією, ця художня вакханалія залишила незгладимий слід у мистецтві XX століття. Танець був написаний в розпал естетики фовізму і втілює емансипацію традиційних західних мистецьких традицій. Естетичний вибір Анрі Матісса для цієї картини викликав справжній скандал в художніх салонах 1910 року. Зухвала оголена натура і грубі відтінки надали картині неординарний для того часу характер, який в очах деяких глядачів здавався варварським.
Анрі Матісс
Матісс використовував тільки три кольори для зображення цього танцю: синій, зелений і червоний. У відповідності з традиційними колірними асоціаціями фовізму, ці три відтінки створюють інтенсивний контраст. Однак метою Матісса було не шокувати аудиторію. Навпаки, він прагнув об’єднати людей один з одним і з природою. Як сказав художник: «Те, про що я мрію, – це збалансоване, чисте і спокійне мистецтво, яке може уникнути неприємностей або розчарувань».
Thanks!
Our editors are notified.